A manera de una breve presentación, quiero ponerte al tanto, sufrido y olvidado lector del tolomuco rabioso, que desde las elecciones de febrero ha estado esperando que me ponga al día con este blog y le cuente sobre todo lo que ha estado sucediendo que no ha sido poco. Pues bien, es cierto, desde que fuimos sentenciados a padecer el gobierno de un populista de derechas que se fue a segunda ronda contra otro populista de derechas, tanto en este país como en el mundo han pasado no poquitas cosas. La pandemia se ha alejado para darle paso a la guerra en Ucrania, pasamos de estar al borde de la desaparición por enfermedad, a estarlo por destrucción nuclear, En Costa Rica el ganado sigue como siempre, preparado para entrar al matadero pero ahora lo hace más contento que nunca porque tiene a su carnicero mayor sobándoles la testuz. La crisis económica se cierne sobre todos los países junto a la crisis climática, en fin, parece cada vez más evidente que todo ahora si que se está yendo a la mierda.

En ese lapso, he decidido hacer un podcast sobre música de la década de 1970. Lo titulé 70 y Rock, y acabo de grabar su episodio semanal número 30. No puedo negarlo, ha sido un trabajo del carajo, investigando, escribiendo y grabando programas, pero me he sentido estupendo haciéndolo. Estoy orgulloso de todos los programas emitidos, bueno sobre todo de los más recientes en los que creo que ya le he ido cogiendo el toque para que el plato salga con el sabor ideal.

Pues bien, es mi intención retomar en la medida de lo posible este espacio, al cual integraré los trabajos que me parezcan más intersantes de lo que produzca en el podcast. Y así lo haré hoy, compartiéndote el guión del programa especial Número 30 dedicado al álbum Aqualung de Jethro Tull.

AQUALUNG

(poema que aparecía en la contratapa del álbum, traducción mía, sorry)

En el principio el Hombre creó a Dios a su imagen y semejanza.

y el hombre dio a dios una multitud de nombres, para que él pudiera ser señor sobre toda la tierra cuando convenía al hombre

y a los siete millones de días el hombre descansó y se apoyó mucho en su dios y vio que era bueno

y el hombre formó a Aqualung del polvo de la tierra, y a una multitud de otros semejantes a su especie

y a estos hombres inferiores el hombre los arrojó al vacío. Y algunos fueron quemados, y algunos fueron apartados de su especie

y el hombre se convirtió en el dios que había creado y con sus milagros gobernó sobre toda la tierra

y cuando todas estas cosas sucedieron,

el espíritu que hizo que el hombre creara a su dios vivió dentro de todos los hombres: incluso dentro de Aqualung

y el hombre no lo vió

pero por su bien lo mejor será que se percate pronto de ello…

Bienvenidas y bienvenidos a 70 y Rock, el podcast con lo mejor de la música de hace cinco décadas cuando se producían verdaderas obras de arte en formato de disco de vinil, como la que te traigo en este episodio especial dedicado al disco Aqualung de la banda Jethro Tull.

Como acostumbramos en los episodios especiales, hoy te contaré parte de la historia de la banda, las circunstancias en que se creó el disco y te describiré pieza por pieza toda esta obra maestra, además deseo que sepás porqué este álbum es tan especial para mi persona.

Sin más que decir, empecemos el viaje.

track 1. AQUALUNG

Una forma épica de iniciar un disco que se convertirá en leyenda es con un riff bueno. Como sucede en el inicio de la quinta sinfonía de Beethoven, el riff es la frase musical que se coloca dentro del cerebro y se queda para recordarte el placer que sentiste al escuchar aquellos sonidos que tanta alegría te trajeron. Así lo logró Ian Anderson al componer el riff que inicia la canción Aqualung y que suena, como él dice: ¨Feeling like a dead duck¨ . El inicio tan heavy nos lleva luego a un segmento más relajado en el que la guitarra acústica simple y llana acompaña la voz del trovador y luego se les une el piano cambiando el ritmo hacia algo más y más festivo hasta alcanzar un apoteósico solo de guitarra, tan perfecto que pareciera un milagro el hecho de que Martin Barre lo llegara a interpretar en una sola toma, ante los asombrados ojos de Jimmy Page, guitarrista de Led Zeppelin que se encontraba en el estudio en esos momentos.

La rola nos describe a ese viejo perdedor, sin casa, vestido en harapos y que lanza miradas lascivas a las piernas de las chicas escolares que corren por el parque, al mismo tiempo que chorrean mocos de su nariz y frota sus dedos grasosos en sus harapos para poder calentarse. Una descripción muy dura y directa de lo que siempre aparece ante nosotros en las calles de todas las ciudades y no queremos ver. De los nadies, los invisibles como decía el gran escritor Eduardo Galeano, esos que existen a pesar de que no queremos verlos.

HISTORIA PREVIA DE JETHRO TULL

El cuarto disco de la banda Jethro Tull, Aqualung de 1971 es el más destacado de la carrera del grupo tanto por sus críticas favorables como por su record de ventas. Aunque sus primeros tres discos están más orientados al blues y al jazz fusión, a partir de este se cimenta el estilo de la banda definido como una combinación de hard rock, folk inglés y música clásica dentro del marco del rock progresivo. La fuerza vital y creativa de la banda, a pesar de haber estado conformada en todas sus alineaciones históricas por destacadísimos músicos, es la de su líder y cantante Ian Anderson, escocés nacido en Agosto de 1947. Músico y compositor, canta e interpreta con soltura la flauta traversa instrumento característico del sonido de Jethro Tull, además de tocar otros instrumentos como la guitarra, bajo, teclados, saxofón, armónica entre otros como lo ha demostrado a través de la discografía de la banda y de su trayectoria en solitario. Originario de una zona rural de Escocia, su familia se estableció en Edimburgo donde pasó su niñez y luego se trasladaron a Blackpool, Inglaterra, donde fue expulsado de una secundaria en la que se negaba a recibir el castigo físico impartido por los profesores, como era permitido en esos años. Luego estudió en el colegio de Artes de Blackpool. En 1963, junto con sus amigos de colegio Michael Stephens, en la guitarra, John Evan en el piano, Jeffrey Hammond en el bajo y Barriemore Barlow en la batería, formaron una banda de soul y blues llamada The Blades. Aunque en un principio intentaba tocar la guitarra, se dedicaba más a la armónica y justo unos meses antes de grabar el primer disco de Tull, empezó a practicar solo con una flauta que encontró por ahí y que poco a poco fue adaptando a las sonoridades de la armónica de blues con más matices que ofrecer. De hecho la icónica imagen suya tocando la flauta parado en una sola pierna, viene de un accidente que tuvo mientras tocaba la armónica en un concierto, durante su interpretación, el pedestal del micrófono empezó a caerse y él al tener las manos ocupadas, lo sostuvo con una pierna. Cuando se pasó a la flauta, la postura del flamingo flautista se volvió un símbolo de la banda hasta estos días.

track 2. CROSS EYED MARY

María la no virgen, María la bizca, la chica joven, no sabemos si menor de edad, que vende su cuerpo y que su belleza es en cierta manera, digamos que interesante porque es bizca. Ella es la protagonista de la segunda rola del disco. Es un tema duro y espinoso, y sin duda muy difícilmente se escribiría hoy de la forma en que se escribió hace cincuenta años. Aunque tiene un enfoque picaresco como de novela renacentista, el tema es brutal y difícil de asimilar y otra vez, Jethro Tull nos lo tira en la cara aunque nos neguemos a considerarlo. Musicalmente es donde hace la aparición en el disco la interpretación de flauta por parte del líder de la banda y lo hace con una portentosa introducción que luego da paso a la guitarra eléctrica con un poderoso riff que trae enseguida la interpretación vocal.

Antes aún de tomar la flauta, la banda tomó nombre. Para tocar la mayor cantidad de veces posible, se cambiaban de nombre con frecuencia y así evitaban espantar al público que ya les había visto y buscaban algo nuevo, por esto los agentes que les contrataban para esos recitales usualmente les bautizaban provisionalmente, hasta que uno de ellos, entusiasta de la historia, les mencionó el nombre de un agrónomo del siglo 18 que inventó la primera máquina agrícola para sembrar, este caballero se llamaba Jethro Tull. Y siguieron usando el nombre porque era el que tenían cuando por primera vez, el satisfecho dueño de un local, les llamó para que llegaran a tocar de nuevo.

track 3. CHEAP DAY RETURN

Cheap day return es como llamaban a los tiquetes de ida y vuelta en un plazo corto de tiempo en los ferrocarriles ingleses. La historia de esta canción es que Ian, debía ir de Londres a Blackpool a visitar a su padre quien se hallaba enfermo y cuando le encontró, la enfermera que le atendía le preparó té y le pidió un autógrafo, lo que le causó cierta gracia y le hizo reír. Se trata de una preciosa canción acústica que dura apenas poco más de un minuto, y brinda un pequeño descanso después de las dos primeras piezas. El acento folk inglés de la canción es notable.

track 4. MOTHER GOOSE

Mother Goose, Es otra rola acústica con ciertas pinceladas de guitarra eléctrica por ahí. En ella aparecen varios personajes como Mother Goose, el turista, Johnnie Scarecrow y Long John Silve y se inspira en las diferentes gentes que se pueden ver en el entorno de los barrios bajos londinenses.

Como antes dije, sus inicios fueron más orientados al blues y al soul, acercándose al folk y a la música clásica y en esa época de formación, acumularon muchas anécdotas curiosas como el hecho de que antes de la llegada de su guitarrista definitivo Martin Lancelot Barre, estuvieron probando por unas semanas a ni más ni menos que Tommy Iomy, quien tomó el trabajo al mismo tiempo en que la banda Earth se transformaba en Black Sabbath, Iomy no se sintió cómodo con Tull por lo que regresó a su camino de convertirse en uno de los padres del heavy metal, pero para la historia quedó la presentación de JT con él en la guitarra en el performance Rock n Roll Circus de Mick Jagger.

Ya con una alineación estable en 1971, Jethro Tull grabó su cuarto larga duración que se colocó por mérito propio en la historia del Rock.

track 5. WONDERING ALOUD

¨Preguntándose en voz alta¨es lo más cercano a una canción de amor que Anderson haya escrito, según sus propias palabras. La versión incluida en el disco original es corta, de apenas dos minutos y se grabó en solo dos tomas. Es una reflexión sobre la vida en pareja que termina diciendo :

¨Lo que das es lo que hace lo que eres¨.

En esta pieza tan corta hace su aparición un precioso arreglo de cuarteto de cuerdas que va sobreponiéndose por encima de la guitarra y el piano a partir de la segunda estrofa, hasta alcanzar protagonismo al cerrar la última frase.

track 6. UP TO ME

Aún en plan acústico, pero esta vez con un ritmo más frenético y adornos constantes de una guitarra distorsionada que aunque no calza, tampoco desentona. La flauta lleva el riff protagónico junto a la voz, esto crea un ambiente juguetón y dinámico que nos prepara para el otro lado del disco. La letra habla otra vez de los personajes que se observan en la calle, como dice Anderson componer casi siempre es simple y sencillo: lo que hay que hacer es observar y narrar y nunca juzgar.

EL ÁLBUM

El disco Aqualung como lo haría saber Ian Anderson en posteriores entrevistas, fue muy difícil de producir porque el estudio que les había sido asignado por la disquera Island Records tenía lo mejor de la tecnología pero nada funcionaba bien, además de que se trataba de una antigua iglesia fría y plagada de ecos donde no se lograba llegar al sonido ideal deseado por el líder de la banda que debutaba como productor. Todavia en entrevistas que diera veinte años después, mencionaba que aún no se sentía satisfecho con el sonido obtenido.

En el mismo edificio en un estudio más pequeño y con mejor acústica, la banda Led Zeppelin grababa al mismo tiempo su más legendario álbum el Led Zeppelin IV en el que vienen piezas como Black Dog, Rock`n Roll y por supuesto Starway to Heaven. Aunque ambas bandas ya se conocían dado que el año anterior, JT les había acompañado en la gira europea como teloneros ; el contacto entre ellos era muy esporádico, limitándose a unas pocas visitas de Jimmy Page y John Bonham a ver los ensayos e interpretaciones durante la grabación.

track 7. LICK YOUR FINGERS CLEAN

La canción habla sobre el juicio final de una persona cuando tiene que dar cuentas sobre la forma en que ha vivido. Esta pieza no venía en la versión original y se intentó lanzar sin éxito como un sencillo fuera de álbum. Luego fue ligeramente modificada y se incluyó en el posterior disco War Child

La alineación de Jethro Tull para la grabación de este álbum se conformaba además de Ian Anderson en voz, flauta y guitarra acústica, y sus viejos amigos de tiempos de colegio John Evan en teclados y Jefrey Hammond en el bajo, además de Clive Bunker en la batería, y el injustamente infravalorado guitarrista Martin Barre en un absoluto estado de gracia. Además de ellos, colaboraron en la producción Terry Ellis, primer mánager y cofundador de la disquera Chrisalys Records, y en los arreglos orquestales el músico David Palmer quien a partir de 1977 pasaría a ser tecladista de la banda.

El estilo musical de Aqualung, concentra algunas de las influencias de lo que JT había producido en sus primeros tres discos, conservando a veces el sonido folk casi celta y dejando de lado un poco el blues más ortodoxo, rescatando y aumentando la veta clásica y orquestal y sobre todo buscando un sonido más de hard rock a través de una batería más potente y guitarras con riffs pesados y solos grandiosos. Se puede decir que en este disco Jethro Tull encontró su verdadero sonido que confluye entre el folk y el metal. Entre Crosby, Stills y Nash y Black Sabbath por nombrar referentes contemporáneos que sonaban por aquellos días.

track 8. MY GOD

Esta canción fue la causa de que muchas copias del disco fuesen quemadas en los estados sureños de EEUU, según cuenta Ian Anderson. Aunque el niega tener algo en contra de las religiones organizadas, le molestaba bastante que se inmiscuyeran en la educación de los niños, como sucedía en su época de escolar, cuando los profesores, eran bastante crueles con los niños y tenían autorización para aplicar castigo físico sobre ellos. La canción fue escrita un año antes de que se grabara el disco, por eso se puede ver su interpretación en el concierto de la isla de Wigth ( el woodstock inglés). La pieza cuenta con un increíble solo de flauta que se armoniza con coros gregorianos y maneja las frases con una calma que se rompe en los coros por la potencia de la guitarra con distorsión que predomina sobre los demás instrumentos.

track 9. HYMN 43

Esta canción va sobre Jesús y en la misma le recomienda, por si desea volver, que se mantenga alejado por su bien de sus representantes en la tierra. Aquí tenemos algo un poco más rockero con una batería más presente y guitarras más contundentes y protagonistas que en los tracks anteriores.

Aunque muchos críticos y habladores de la música califican al Aqualung como un disco conceptual, Ian Anderson siempre lo ha negado de manera enfática. Tanto así que después de saber sobre estas opiniones, decidió que su próximo disco sería la madre y el padre de todos los discos conceptuales y lo logró creando al año siguiente aquella gran joya que te describí en el Episodio 5 de este podcast, ni más ni menos que el inmenso Thick as a Brick.

¡En esos tiempos don Ian, si que no se andaba por las ramas en cuanto a poner las cartas sobre la mesa y demostrar con hechos sus posiciones!

Pues no, decía él, el Aqualung no es más que un puñado de canciones y nada más, eso no tiene nada que ver con un disco conceptual. Pero para serte sincero, algo de razón tendrían los que opinaban lo contrario, tal vez si se parece a una obra conceptual pero de una forma un tanto difente a lo que usualmente se toma como una obra de este tipo, y tal vez por ello aparezca la firme oposición de Anderson al tema. Más que contar una historia a través de varios temas, en este disco se habla sobre dos temas principales, a través de diferentes historias que aparecen entre las canciones.

Estos dos temas toman protagonismo en cada una de las caras del disco, así la cara A era conocida como ¨Aqualung¨, y trataba el tema de la vida de los más desfavorecidos, a través de la metáfora de los habitantes de la calle, entre los cuales uno de todos al que llamaban Aqualung porque su respiración asmática y fatigada era similar a la de un buzo en las profundidades, siendo a la vez un ser que vivía entre lo más hondo de la miseria humana, invisible y olvidado por el resto de la humanidad.

La inspiración de esta parte vino a partir de una serie de fotografías que tomó Jennie, la entonces esposa de Ian, sobre vagabundos en un embarcadero antiguo en la ribera norte del Támesis. Un fotografía en especial llamó la atención de la pareja y a partir de ella crearon el personaje y la canción Aqualung, por esto es que Jennie tiene créditos en la composición de la pieza. En esta sección otros personajes lamentablemente muy realistas como Aqualung, viejo, ridículamente libidinoso, sucio y achacoso o Mary la Bizca, una prostituta adolescente que hace de Robin Hood sexual, cobrando y robando a los ricos y proporcionando caricias lascivas gratuitas a los pobres; se alternan con otros personajes entre temas que hablan sobre el sentido de la humanidad vista desde donde nadie quiere mirar.

track 10. SLIPSTREAM

Es otra canción acústica con arreglos de orquesta de cámara, corta y que más bien sirve de preámbulo para lo que se viene:

track 11. LOCOMOTIVE BREATH

La letra de la canción habla de una locomotora sin control que aumenta su velocidad porque su palanca de freno ha sido robada, el ladrón, un tal Old Charlie es también conocido como el ganador de siempre. El pasajero de la locomotora es el pobre perdedor de siempre, que sabe que está condenado a no poder escapar de la locomotora y sospecha cual será su destino. Este personaje es la humanidad. Y Old Charlie es Dios. Ian Anderson creó esta metáfora para plantear el dilema de la sobrepoblación del planeta, algo que le inquietaba cuando la escribió y según sus declaraciones de 2021, hoy le inquieta aún más, aunque sabe que la educación de las nuevas generaciones y sobre todo la justa inclusión de la mujer, que progresivamente se ha venido dando, ha resultado en que las familias sean más pequeñas hoy en día y tal vez se llegue a algún equilibrio para el futuro optimista de la humanidad.

Se puede decir que esta es la canción que da el climax a la obra en su totalidad. Con un inicio muy jazzistico, el piano introduce un motivo suave, casi susurrante y la guitarra le responde con aullidos lejanos que luego dan paso al cuerpo de la canción con un ritmo trepidante como el de una locomotora a la que no se le puede oponer nada a su paso. Esta canción, que podríamos decir, la más roquera del álbum, es con la que usualmente Jethro Tull cierra sus shows, antes de salir de nuevo al escenario con el acostumbrado bis. El tema es uno de los más populares de la banda y ha sido interpretado por bandas como Wasp, Helloween y Styx.

Los temas de la cara B del álbum, formaban un conjunto llamado ¨My God¨: mi Dios. Si en la cara A las letras eran lascivas, tristes y a la vez divertidas, en este lado el tono era más confrontativo, directo pero también divertido denunciando y parodiando a las religiones organizadas y más específicamente al cristianismo anglicano y su educación basada en la biblia. Si bien no se trata de un manifiesto ateo, el autor pone aquí suficientes razones para mandar a freír espárragos a los curas, obispos, monjas, catequistas y demás fauna con crucifijos por fuera e intenciones poco claras por dentro. Esto queda manifiesto con versos que dicen cosas como :

¨Si Jesús salva, mejor que se salve a sí mismo.

De los malditos buscadores de gloria que usan Su nombre en vano¨

Así, además habla de la relación de la divinidad dentro del ser humano y no fuera de él, como las religiones le hacen creer a las personas con la intención de dominarlas y favorecerse materialmente de ellas. Dando como resultado una humanidad plagada de personas vacías y en desgracia, individuos aislados que consideran que todo es obra de dios y no consecuencia de sus actos o de su conducta para con sus semejantes. La clave de todo esto es el enigmático poema que aparecía en la contraportada del álbum y que iniciaba con la frase:

¨En el principio el hombre creó a dios¨

Esta segunda parte, más que la primera le valió al álbum la censura y el boycott en Inglaterra y naturalmente en EEUU, además de ser censurado por el régimen franquista en España, que mutiló la obra eliminando el tema Locomotive Breath, aunque creo que no supieron traducir el resto de las letras y eso también le salvó de la hoguera. Años después Ian Anderson diría que lamentaba toda esa censura y salvajismo medieval para con sus discos, pero eran consecuencias de su juventud y con el tiempo ha aprendido a decir las cosas de forma un poco más diplomática.

track 12. WIND UP

En la canción con la que cierra la obra, otra vez se dirige contra las autoridades eclesiásticas y escolares. Esto lo hace Anderson, recordando que estuvo en un estricto colegio religioso en los tiempos en que era autorizado el castigo físico, y su rebeldía resultó en una pronta expulsión. No hay mucho que decir al respecto, solo te leo unos cuantos versos de la canción:

Cuando era joven

Y me enviaron a la escuela

Y me enseñaron como no debería jugar al juego

No me importó, que me educaran para el éxito

Ni que me dijeran que era un tonto

Así que me fui una mañana con su dios bajo mi brazo

Sus falsas sonrisas de mierda y su libro de reglas

Así que le hice a este dios una pregunta

Y me respondió de una manera firme:

Yo no soy del tipo que hay que reiniciar los domingos

El arte de la portada y las imágenes interiores del álbum fueron realizadas por el artista Burton Silverman y quien se inspiró a su vez en las fotos antes mencionadas de Jennie Anderson. El pintor luego se enemistó con Ian Anderson y Terry Ellis, porque según él, solo había autorizado usar su pintura para la portada del disco y no para mercadería adicional, por lo que solo recibió $1,300 por la pintura sin recibir derechos de merchandising por su uso en otro material, por esto hizo un reclamo económico que a la fecha no ha sido resuelto a su favor. La pintura de la portada y la de la contraportada fueron robdas de las oficinas de Chrisalys Records y a la fecha se desconoce su paradero. Solamente se conserva el cuadro que venía dentro del sobre del disco en el que los miembros dela banda personificados como vagabundos celebran una fiesta.

track 13. WONDERING ALOUD AGAIN

Con esta hermosa versión larga de Wondering Aloud que se quedó fuera del disco original, terminamos el análisis del disco Aqualung. Pero como te dije al principio, este disco significa algo muy especial para mí y deseo compartir con vos de qué se trata. Puede parecer una tontería pero visto desde la altura de cerro de los años que todos caminamos y por el que ya empiezo a distinguir un panorama más amplio de lo vivido, me parece algo importante y que en definitiva tiene que ser compartido.

Aquí va pues.

(MI EXPERIENCIA PERSONAL CON AQUALUNG)

En los años 90 una emisora que se llamaba radio Paladín, empezó a transmitir aquí en Costa Rica , 107,5 del FM, me parece que era su sintonía. Yo era un adolescente que en esa época escuchaba mucha radio, tenía un walk man, y siempre andaba escuchando música a toda hora. La mayor parte del tiempo eran los cassettes con metal que era prácticamente lo único que oía. Mucho Speed, Thrash, Heavy, Death, Hardcore, Black y todo lo que pudiera grabar a partir de los discos de mis amigos compraban. Pero no podía pasar todo el tiempo solo escuchando cassettes, porque la batería se gastaba pronto, y no quedaba más remedio que alternar las escuchas con la reducida oferta de rock de las emisoras nacionales, y así encontré a esta nueva emisora de tan peculiar nombre, que tenía programas de metal y de rock progresivo. Una noche, lo recuerdo muy bien, cuando regresaba de clases y caminaba del autobus hacia mi casa, en el programa que escuchaba sonó esto:

(INTRODUCCIÓN DE AQUALUNG)

Y a partir de ahí, todo empezó a sonar diferente.

La locución de esa emisora estaba en inglés, y por ese entonces apenas yo empezaba a manejar el idioma, por lo que después de varias veces que logré escuchar el tema, me enteré que pertenecía a una banda que se llamaba Jethro tull. Pregunté a mis camaradas si alguien la conocía y nadie sabía nada, les decía que sonaba como una mezcla de Black Sabbath con América, pero ni idea. Nuestro ámbito de reconocimiento era del metal pesado y poco más. Eran tiempos en que ni nos imaginábamos lo que llegaría a ser la internet y nuestro pueblo era semi rural en ese entonces. Más por casualidad que por otra cosa, me enteré que el padre de la mejor amiga de mi hermana, les conocía y mejor aún, tenía un disco compacto de esa banda. Le contacté y me lo prestó para grabar una copia. Era un disco de grandes éxitos pero traía la canción que había escuchado y que se llamaba Aqualung. Todas las demás piezas, aunque eran bastante diferentes a la que me había flechado, eran también impecables y prácticamente me las aprendi de memoria de tanto escucharlas. Pronto hice circular mi cassette entre mis amigos, y así fuimos volviéndonos fanáticos de esa gran banda y del hasta entonces para nosotros desconocido género llamado rock progresivo.

Me despido, esperando que este programa especial haya sido de tu agrado.

Te recuerdo que agradezco mucho que compartás este programa y el CANAL de Telegram al que ojalá estés suscrito, recibiendo a cambio información adicional a lo que aquí escuchaste en forma de imágenes, videos y enlaces a otras páginas de interés.

Nos vamos con una versión en vivo, larga pero llena de energía de Locomotive breath, para que tengás siempre la música que te gusta cerca de tu corazón y no te agarre el tren preocupado por cosas que no valen la pena.

Esto fue 70 y Rock,

Soy Toño

Hasta la próxima.

track 14. LOCOMOTIVE BREATH LIVE

Lista de tracks y minuto en que aparecen

AQUALUNG 3:13

CROSS EYED MARY 14:13

CHEAP DAY RETURN 20:22

MOTHER GOOSE 21:40

WONDERING ALOUD 28:40

UP TO ME 30:32

LICK YOUR FINGERS CLEAN 35:42