En un
hospital británico en 1969, un muchacho de 22 años, estaba a punto de morir de
tuberculosis. Con inyecciones un día si, y otro también, pudo apartarse poco a
poco del borde final de la existencia y después de un internamiento de seis
meses, salió transformado como quien nace de nuevo a seguir haciendo lo que más
amaba. Antes de esa crisis este muchacho ya había grabado dos discos con un
éxito medianamente discreto en los que cantaba canciones con temas románticos y
juveniles nada impresionantes. Cuando salió del hospital llevaba en su cuaderno
y en su guitarra, cuarenta canciones que reflexionaban sobre la vida, la
muerte, el mundo, la belleza, la verdad y el universo. Grabó un tercer disco
con algunas de estas piezas pero el cuarto disco que grabó y lanzó en 1970 le
consagró como uno de los cantautores más destacados de la década. Este muchacho
recién renacido, se hacía llamar Cat Stevens.
Cuando tuvieron listo el álbum Tea
for the Tillerman para su lanzamiento, el empresario Chris Blackwell,
propietario de Island Records, le dijo a Cat Stevens: ¨Muchacho, no sabes lo
lejos que vas a llegar a partir de ahora¨. El cantante lo tomó como un
cumplido, pero con el tiempo se daría cuenta que a partir de la salida de este
disco, la fama sería un factor determinante para su forma de vida. Con una voz
diferente a la que tenía en sus otras producciones, probablemente afectada por
su enfermedad o tal vez con una entonación más grave y madura para tratar temas
más serios de la forma en que los plantea, procedió a expresar de manera muy
filosófica muchos aspectos que no eran frecuentes en las producciones de música
pop de la década que iniciaba.
El disco empieza con una canción con
un título que pregunta ¿Dónde jugarán los niños? y la pregunta antes y ahora
sigue siendo el gran problema de la humanidad. ¿Estamos lo suficientemente
preocupados y sobre todo ocupados en el futuro de la humanidad? ¿Nos damos
cuenta hacia donde va esto? Cuando entonces la guerra de Vietnam y la amenaza
nuclear copaban la atención, Cat cantaba también de la destrucción de la
naturaleza y de la inminente crisis climática. El primer gran éxito del disco
fue la canción Wild world, inspirada en su ruptura con la actriz norteamericana
Patti D`arvanville, y que ha sido reinterpretada por muchos artistas más como
Jimmy Cliff, Maxi Priest, Mr Big entre otros. Otro sencillo destacado fue
Father and son, de la que te hablé en el episodio 11 de 70 y Rock en la que
plantea la diferencia generacional entre un padre y un hijo, cantándola como si
se tratara de un diálogo entre estos personajes.
El éxito del album le llevó a recorrer casi todo el mundo,
en giras de conciertos en las que también se daba su tiempo para explorar y
conocer diferentes culturas y diferentes formas de definir la espiritualidad.
En 1978, tuvo otro renacimiento que le hizo convertirse al islam y abandonar la
música hasta la década de los noventa. Abandonó su identidad artística y se
transformó en Yusuf Islam. Con los años supo reconciliar a Cat con Yusuf y en
la actualidad continúa con su carrera, componiendo nueva música y
reinterpretando sus canciones del pasado, viéndolas y saboreándolas desde la
óptica que da la vejez. En 2020, presentó el disco Tea for the Tillerman parte
2, en la que graba de nuevo las canciones pero modificando algunas letras y
casi todas las músicas, manifestando así como una obra inmortal puede también
madurar con su creador.
El Segundo larga duración en solitario de James Taylor, llevaba como
nombre la canción de cuna que le dedicó a su sobrino también llamado James. Este
cantautor, nacido en una familia bien acomodada, tuvo la oportunidad de
estudiar música de niño y de acceder a una educación de Buena calidad pero en
su adolescencia abandonó sus estudios y formó con unos amigos la banda de rock
psicodélico The Flying Machine. En lo más álgido de la década del amor y la
paz, terminó enganchado a la heroína e internado en un hospital psiquiátrico
donde pudo superar, por el momento su dependencia. A los 20 años se fue para
Inglaterra donde logró contactar a Paul MacCartey y George Harrison, quienes lo
ficharon para su sello Apple y le produjeron su primer disco. De hecho, una de
sus canciones ¨Something on the way she moves¨ sirvió de inspiración para
George para el primer verso del clásico de los Beatles ¨Something¨.Con este disco apenas logró pegar la canción
¨Carolina on my mind¨ y recayó de nuevo en su dependencia a la metadona y la
heroína.
Regresó a EEUU a desintoxicarse. Tenía apenas 22 años y ya cargaba a
cuestas con dos internamientos psiquiátricos, una sobredosis, un disco sin
éxito y ninguna posesión material. Así que se fue a California a grabar un segundo
disco, para el cual ya acumulaba un puñado de canciones muy sentidas escritas
casi todas durante su última estancia en el sanatorio. Esta producción fue la que
en definitiva le lanzó a la fama por sus canciones que combinaban el espíritu
melancólico del cantautor con algunos toques de sarcasmo como en la canción
Steamroller, la que escuchamos antes, en la que se burla de algunos arrogantes
roqueros blancos que pretenden interpretar música blues y hacer dinero apropiándose
del tradicional ritmo de los afroamericanos.
El principal sencillo del disco es la canción Fire and Rain, melancólica
tonada en la que habla de su lucha contra la dependecia a la vez que se despide
de su amiga Suzanne quien se quitó la vida mientras él estaba en Inglaterra
grabando su primer disco, y se enteró del suceso hasta tiempo después dado que
sus amigos no querían que abandonara el proyecto y se sumiera de nuevo en la adicción.
Este álbum se convirtió en el inició de una carrera llena de altibajos, en
la que además de la música llegó a participar en algunas películas y ser uno de
los artistas masculinos más carismáticos y atrayentes de la década. En esa época
se decía que su aspecto era como el de un Jesús Vaquero, aunque él decía que nada
más pretendía parecerse a George Harrison.
A la fecha, James Taylor aún se presenta de vez en cuando y aún compone
canciones como las de aquella década en la que su voz y su guitarra anunciaban
los tiempos que vendrían.
Y vamos otra vez
con Bob Dylan. El futuro premio nobel de literatura, después de llorar mucho a
su exesposa Sara, en su disco Blood on the tracks, volvió a enfocar la temática de su música en
denunciar la injusticia social y en narrar épicas historias de personajes
complejos. Con la colaboración del compositor, director teatral y psicólogo
clínico Jacques Levy, Dylan compuso nueve canciones largas que conformaron su
décimo séptimo álbum de estudio. Esta
producción fue el trabajo más colaborativo de Dylan, en vista de que por esos
días estaba conformando la gira Rolling Thunder Revue y pudo contar con muchos
de los que ahí le acompañarían. Se destaca la guitarra de Eric Clapton en
Romance in Durango, los coros de la cantante country Emilou Harris en One more
cup of coffe ( la que escuchaste al inicio) y Oh Sister y el violín de Scarlett
Rivera en casi todas las rolas.
El disco abre con la abierta declaración
contra la injusticia del sistema legal norteamericano que denunca Hurricane, dedicada al caso de la injusta condena al
campeón de boxeo de pesos medianos Rubin Hurricane Carter, que condenado por un
crimen que no cometió llevaba ya diez años preso. Como ya te lo había comentado
en el episodio 07 de 70 y Rock, Dylan
leyó el libro que Carter escribió en prisión y compuso la canción para
denunciar el caso, sacándola como primer sencillo del disco y entregando las
ganancias al equipo legal que buscaba la liberación del boxeador.
Otro
tema que también se destacó de este álbum es la épica ¨Joey¨, historia del
mafioso italo americano Joey Gallo. Esta canción de once minutos fue muy
criticada, en vista de que Dylan narra la historia del gángster retratándolo
como un Robin Hood moderno que luchaba contra el sistema, tal y como se lo
habían descrito unos amigos del mafioso difunto. Pero al parecer la canción lo
idealizaba más de la cuenta, dado que el tipo era un canalla de bastante
cuidado, y como siempre sucede, destacó en el ámbito criminal más por su
crueldad y violencia que por su ánimo altruista y conciliador.
Como te dije antes, la gira Rolling
Thunder Review se realizaba a través de EEUU y Cánada, mientras se producía y
se lanzaba el álbum, por lo que sus temas estaban muy presentes en ella.En el impecable documental sobre la gira
realizado por el cineasta Martin Scorcese, podemos ver y disfrutar varias de las piezas del disco como
si estuvieramos en aquel lejano 1976, siendo parte del auditorio de la
presentación de Dylan.Te recomiendo,
darle una revisada, para enriquecer más lo que aquí te he contado.
Por el momento te dejo con la que para mí es la
canción más destacadade este álbum,
Hurricane, una denuncia hecha arte.
Durante la década de los cincuenta el sonido de la música country llegó a
consolidarse alrededor de un lugar icónico donde muchos artistas habían
empezado sus carreras y aún en la década siguiente continuaba siendo el lugar
alrededor del cual gravitaban todas los discos que aparecían de ese estilo musical.
Ese lugar era Nashville, Tennesse. Así
sucedió que los estándares aceptados por los seguidores de la música country
eran los llamados estándares del country de Nashville. Pero un grupo de
forajidos, crearon el outlaw country con interpretaciones más libres y un tanto
diferentes a lo que los puristas requerían,el lider de estos forajidos era
un pelirrojo bajito, que venía grabando discos desde 1956 aunque con un éxito más
bien discreto como autor y casi nulo como cantante. Este forajido se llamaba
Willie Nelson y junto a Kris Kristoferson y Waylon Jennings revolucionaron la música
country durante la década de los 70, acercándola a los seguidores de la música
pop y del rockanroll en general.
En 1973, cuando cumplía 40 años
encontró el éxito con su álbum ¨Shootgun Willie¨, que como dice el músico ¨sirvió
para aclararle la garganta¨ y le abrió el paso a la fama al combinar jazz, folk
y toques de rockanroll al country convencional. Este era su décimo séxto álbum,
pero para muchos fue el primero. Pero aquí hablaremos del décimo octavo, el álbum
que le consagró y que a la fecha es su disco más vendido, el disco de 1975 ¨Red
headed Stranger¨. Por muy extraño que parezca, se trata de un álbum conceptual
de música country, que narra la historia de un individuo carcomido por el
arrepentimiento que vaga solo por la noche después de haber asesinado a su
mujer al encontrarla con su amante. En sus quince cortas piezas, narra la
historia interpretada únicamente con instrumentos acústicos, con una sencillez
y un ambiente rural, muy bien logrado que conjugan la tristeza de la historia de
forma casi cinematográfica. De hecho en 1986, se realizó una película
protagonizada por el propio Nelson, con el mismo nombre del disco, y con una
historia más o menos parecida en la que el extraño pelirrojo es un misterioso
predicador y pistolero que imparte la justicia divina a punta de balazos.
Contrario a esta imagen tan cargada
de plomo, Willie Nelson ha sido durante su carrera un artista muy solidario:
Junto a Neil Young preside la organización Farm Aid, que organiza presentaciones
para recolectar dinero para agricultores en apuros además de ser un reconocido
ambientalista y activista por la legalización de la marihuana. A sus casi
noventa años aún sigue activo presentándose de vez en cuando con una banda en
la que toncan algunos de sus hijos y nietos.
Te dejo con la canción Hand on the
wheel con la que concluye el tortuoso camino de redención del personaje principal
de esta historia, además de la instrumental que cierra el disco y que se llama
simplemente Bandera.
Con
frecuencia se le preguntaba a Bob Dylan si su álbum Blood on the tracks tenía
referencias autobiográficas, él lo negaba siempre de manera contundente, y
hasta llegó a mencionar que se trataba de una colección de canciones inspirada
en los relatos del escritor ruso Anton Chejov. Aunque a la fecha sigue aferrado
a esa idea, no es difícil encontrar puntos de encuentro en las letras de las canciones
con la tristeza que el compositor pasaba
debido a la separación e inminente divorcio de su esposa Sara con quien tenía ya cuatro hijos.
El disco cuenta con temas
donde se lamentaba la pérdida del único amor, como la que acabamos de escuchar,
¨Tangled up in blue¨ ¨Enredado en la tristeza¨ o ¨You´re a big girl now¨ , ¨Eres
ya una chica grande¨ , y pasa a temas
donde daba rienda suelta a la rabia contra si mismo y la frustración de no
poder reconstruir una relación, como ¨Idiot wind¨ , aunque también encontraba
espacio para épicas historias folk, que eran su marca registrada, donde narraba
un relato que bien podía tratarse del guión para una película como en la canción
¨Lilly, Rosemary and the Jack of Hearts¨.
En un principio Dylan tenía
pensado grabar el disco con una banda eléctrica, pero después de
escuchar la opinión de Neil Young y de sus amigos de Crosby, Stills y Nash, decidió
orientarse hacia algo más acústico y folk con poca intervención de la guitarra
eléctrica. De hecho después de una presentación privada que Dylan hiciera ante
ellos, Graham Nash anotaría que Stephen Stills en privado le dijo: ¨es un gran
compositor, pero un mal músico¨. El disco salió en enero de 1975 y fue el décimo
quinto de la carrera del cantante y uno de los más destacados por la crítica y
de mejores ventas de su carrera.
Cuando uno lo escucha siguiendo
las letras de las composiciones se da cuenta que se encuentra frente a un poeta
con muchos recursos y de una inspiración tan amplia como accesible, lo cual
justifica muy bien porqué muchos años después recibiría el premio Nobel de
Literatura. Te dejo con una canción que es una de las más desgarradoras y a la
vez hermosas baladas que hablan sobre la separación, ¨If you see her, say hello¨.
2022: uno de esos periodos en los que la humanidad se resbala directo a un agujero con la velocidad con la que un billonario recorta empleos en un negocio recién adquirido. Es un momento en el que, para las mayorías, el
futuro se visualiza como un inmenso océano de excremento que cubre el planeta, en el
que unos pocos navegan en yates de lujo y la gran mayoría de los ocho mil
millones que ahora somos, y sus hijos y sus nietos que aún no llegan,tratan de sobrevivir aferrados a los desechos
plásticos que ahí flotan. El corazón de occidente chapaleade nuevo en en el pantano de la guerra, con
la que desesperados tratan de sostener un orden económico tan frágil como la masculinidad de sus gobernantes, ante el surgimiento
euroasiático de un nuevo imperio, un nuevo cambio de orden como ha sucedido a
través de la historia de la humanidad,cuando los imperios y las jerarquías caíanpara cambiar el pie que calzará la bota que seguirá aplastando la cabeza de los pobres. La guerra aparta la atención del tema de la
crisis más importante para el ser humano: la crisis climática,la que a pesar de que nos calcina, nos inunda, nos incendia, nos destecha, nos congela, nos arrasa, nos sepulta en lodo o en avalanchas, sigue
siendo considerada por muchos cretinos como un mito inventado por científicos ateos para arrastrar las masas al marxismo climático.Mirando hacia el pedacito de tierra donde padecemos la mayoría de los costarricenses,
las cosas no pintan nada bien gracias a las acciones de la turba de
incompetentes, cuando no corruptos y degenerados individuos que han formado
parte del estado los últimos cuarenta años, y que nos tienen al borde del caos
económico, con la infraestructura a punto del colapso, con un sistema social
solidario pendiendo de un hilo sobre un estanque de cocodrilos, con los
servicios estatales de electricidad y telecomunicaciones en franco
deterioro para ofrecerlo como despojo a empresarios nacionales y extranjeros que les
financiaron su ubicación en los podios electorales y sobre todo con un pueblo
tan carente de educación y cultura que prefiere a pastores imbéciles y
mediocres habladores populistas,antes
que atreverse a votar por la opción de la izquierda que aún con su prudente moderación, les
parecen sanguinarios bolcheviques bolivarianos hijos de Fidel y de Lenin, que violan monjas y leen libros.
Si. Llegamos al punto en el que hasta el tipo más optimista diría que todo está
a punto de irse a la puta mierda.
Pero ha empezado el mundial de futbol, y las masas están ansiosas por anestesiarse de su realidad otra vez como cada cuatro años. El altavoz más grande del mundo,
el que obviamente está en manos de los más ricos entre los ricos, se enfoca
ahora en el evento deportivo más importante del mundo. El evento que hace rato
desplazó en importancia y audiencia a las olimpiadas, gracias a las maniobras corporativas de la
mafia más importante del mundo, una organización criminal que superó a otra mafia ya vetusta que manejaba sus negocios con extorsión y violencia
alrededor del mundo desde hace casi dos mil años monopolizando y
tergiversando el mensaje de un carpintero judío crucificado por los romanos y
entregado por sus paisanos que estaban muy incómodos por el mensaje hippie que proclamaba el pobre loco. Esta nueva mafia que convirtió un noble
deporte en un espectáculo capitalista para el control de las masas, ha
manufacturado el mayor opio para los pueblos y eso es muy útil para los dueños
del mundo.
Pero esta vez, puede que algo les empiece a salir mal.
Esta vez, el show puede que empiece a mostrar sus grietas y a dejar escapar los gases de corrupción que contiene. La elección de
Catar para el mundial de futbol de 2022 puede que sea el punto a partir del cual las
cosas se le empiecen a salir de las manos a la FIFA y la población mundial empiece a
notar como una competición deportiva se ha convertido en solo un espectáculo de
marionetas para distraerles de la realidad. Catar, un estado de medio oriente, sin
ninguna tradición futbolística pero con billones de petrodólares, se ha convertido en el anfitrión del espectáculo deportivo más caro de la historia, a través de jugosos sobornos que le costaron el puesto a varios cabecillas de la organización, misma que continuó su negocio con fascinerosos que hace rato estaban en banca. Pero la jugada pretendida
por este país para presentar a un principado petrolero con políticas medieveles como un estado moderno digno del siglo XXI,
está saliendo un tanto mal gracias a que la construcción de esa inmensa máscara
con la que pretenden ocultar la brutalidad de un estado absolutista, ha costado miles de vidas de trabajadores inmigrantes ( la mayor parte de la población del país) y se han expuesto sus condiciones de
vida y la explotación inmisericorde de la que son víctimas por parte de los sectores económicamente poderosos de la nación. Así, al
empezar el espectáculo en medio del bochorno mundial, se empieza a ver que en realidad los jeques de
la FIFA desfilan desnudos.
A manera de una breve presentación, quiero ponerte al tanto, sufrido y olvidado lector del tolomuco rabioso, que desde las elecciones de febrero ha estado esperando que me ponga al día con este blog y le cuente sobre todo lo que ha estado sucediendo que no ha sido poco. Pues bien, es cierto, desde que fuimos sentenciados a padecer el gobierno de un populista de derechas que se fue a segunda ronda contra otro populista de derechas, tanto en este país como en el mundo han pasado no poquitas cosas. La pandemia se ha alejado para darle paso a la guerra en Ucrania, pasamos de estar al borde de la desaparición por enfermedad, a estarlo por destrucción nuclear, En Costa Rica el ganado sigue como siempre, preparado para entrar al matadero pero ahora lo hace más contento que nunca porque tiene a su carnicero mayor sobándoles la testuz. La crisis económica se cierne sobre todos los países junto a la crisis climática, en fin, parece cada vez más evidente que todo ahora si que se está yendo a la mierda.
En ese lapso, he decidido hacer un podcast sobre música de la década de 1970. Lo titulé 70 y Rock, y acabo de grabar su episodio semanal número 30. No puedo negarlo, ha sido un trabajo del carajo, investigando, escribiendo y grabando programas, pero me he sentido estupendo haciéndolo. Estoy orgulloso de todos los programas emitidos, bueno sobre todo de los más recientes en los que creo que ya le he ido cogiendo el toque para que el plato salga con el sabor ideal.
Pues bien, es mi intención retomar en la medida de lo posible este espacio, al cual integraré los trabajos que me parezcan más intersantes de lo que produzca en el podcast. Y así lo haré hoy, compartiéndote el guión del programa especial Número 30 dedicado al álbum Aqualung de Jethro Tull.
AQUALUNG
(poema que aparecía en la contratapa del álbum, traducción mía, sorry)
En el principio el Hombre creó a Dios a su imagen y
semejanza.
y el hombre dio a dios una multitud de nombres, para que
él pudiera ser señor sobre toda la tierra cuando convenía al hombre
y a los siete millones de días el hombre descansó y se
apoyó mucho en su dios y vio que era bueno
y el hombre formó a Aqualung del polvo de la tierra, y a
una multitud de otros semejantes a su especie
y a estos hombres inferiores el hombre los arrojó al
vacío. Y algunos fueron quemados, y algunos fueron apartados de su especie
y el hombre se convirtió en el dios que había creado y
con sus milagros gobernó sobre toda la tierra
y cuando todas estas cosas sucedieron,
el espíritu que
hizo que el hombre creara a su dios vivió dentro de todos los hombres: incluso
dentro de Aqualung
y el hombre no lo vió
pero por su bien lo mejor será que se percate pronto de ello…
Bienvenidas
y bienvenidos a 70 y Rock, el podcast con lo mejor de la música de hace cinco décadas
cuando se producían verdaderas obras de arte en formato de disco de vinil, como
la que te traigo en este episodio especial dedicado al disco Aqualung de la
banda Jethro Tull.
Como
acostumbramos en los episodios especiales, hoy te contaré parte de la historia
de la banda, las circunstancias en que se creó el disco y te describiré pieza
por pieza toda esta obra maestra,además deseo que sepás porqué este álbum es tan especial para mi
persona.
Sin
más que decir, empecemos el viaje.
track 1. AQUALUNG
Una forma épica de iniciar un disco que
se convertirá en leyenda es con un riff bueno. Como sucede en el inicio de la
quinta sinfonía de Beethoven, el riff es la frase musical que se coloca dentro
del cerebro y se queda para recordarte el placer que sentiste al escuchar
aquellos sonidos que tanta alegría te trajeron. Así lo logró Ian Anderson al
componer el riff que inicia la canción Aqualung y que suena, como él dice:
¨Feeling like a dead duck¨ .El inicio
tan heavy nos lleva luego a un segmento más relajado en el que la guitarra
acústica simple y llana acompaña la voz del trovador y luego se les une el
piano cambiando el ritmo hacia algo más y más festivo hasta alcanzar un
apoteósico solo de guitarra,tan perfecto
que pareciera un milagro el hecho de que Martin Barre lo llegara a interpretar
en una sola toma, ante los asombrados ojos de Jimmy Page, guitarrista de Led
Zeppelin que se encontraba en el estudio en esos momentos.
La
rola nos describe a ese viejo perdedor, sin casa, vestido en harapos y que
lanza miradas lascivas a las piernas de las chicas escolares que corren por el
parque, al mismo tiempo quechorrean
mocos de su nariz y frota sus dedos grasosos en sus harapos para poder
calentarse. Una descripción muy dura y directa de lo que siempre aparece ante
nosotros en las calles de todas las ciudades y no queremos ver.De los nadies, los invisibles como decía el
gran escritor Eduardo Galeano, esos que existen a pesar de que no queremos
verlos.
HISTORIA
PREVIA DE JETHRO TULL
El
cuarto disco de la banda Jethro Tull, Aqualung de 1971 es el más
destacado de la carrera del grupo tanto por sus críticas favorables como por su
record de ventas. Aunque sus primeros tres discos están más orientados al blues
y al jazz fusión, a partir de este se cimenta el estilo de la banda definido
como una combinación de hard rock, folk inglés y música clásica dentro del
marco del rock progresivo. La fuerza vital y creativa de la banda, a pesar de haber estado conformada en todas
sus alineaciones históricas por destacadísimos músicos, es la de su líder y cantante Ian Anderson,escocés nacido en Agosto de 1947. Músico y compositor, canta e interpreta con soltura la flauta
traversa instrumento característico del sonido de Jethro Tull, además de tocar otros instrumentos como la
guitarra, bajo, teclados, saxofón, armónica entre otros como lo ha demostrado a
través de la discografía de la banda y de su trayectoria en solitario.
Originario de una zona rural de Escocia, su familia se estableció en Edimburgo
donde pasó su niñez y luego se trasladaron a Blackpool, Inglaterra, donde fue
expulsado de una secundaria en la que se negaba a recibir el castigo físico
impartido por los profesores, como era permitido en esos años. Luego estudió en el colegio de Artes de
Blackpool. En 1963, junto con sus amigos
de colegio Michael Stephens, en la guitarra, John Evan en el piano, Jeffrey
Hammond en el bajo y Barriemore Barlow en la batería, formaron una banda de
soul y blues llamada The Blades. Aunque
en un principio intentaba tocar la guitarra, se dedicaba más a la armónica y justo unos
meses antes de grabar el primer disco de Tull, empezó a practicar solo con una flauta que
encontró por ahí y que poco a poco fue adaptando a las sonoridades de la
armónica de blues con más matices que ofrecer. De hecho la icónica imagen suya tocando
la flauta parado en una sola pierna, viene
de un accidente que tuvo mientras tocaba la armónica en un concierto, durante su interpretación, el pedestal del
micrófono empezó a caerse y él al tener las manos ocupadas, lo sostuvo con una
pierna. Cuando se pasó a la flauta, la
postura del flamingo flautista se volvió un símbolo de la banda hasta estos
días.
track 2. CROSS EYED MARY
María la no virgen, María la bizca, la
chica joven, no sabemos si menor de edad, que vende su cuerpo y que su belleza
es en cierta manera, digamos que interesante porque es bizca. Ella es la
protagonista de la segunda rola del disco. Es un tema duro y espinoso, y sin
duda muy difícilmente se escribiría hoyde la forma en que se escribió hace cincuenta años. Aunque tiene un
enfoque picaresco como de novela renacentista, el tema es brutal y difícil de
asimilar y otra vez, Jethro Tull nos lo tira en la cara aunque nos neguemos a
considerarlo. Musicalmente es donde hace la aparición en el disco la
interpretación de flauta por parte del líder de la banda y lo hace con una
portentosa introducción que luego da paso a la guitarra eléctrica con un
poderoso riff que trae enseguida la interpretación vocal.
Antes
aún de tomar la flauta, la banda tomó
nombre. Para tocar la mayor cantidad de
veces posible, se cambiaban de nombre con frecuencia y así evitaban espantar al
público que ya les había visto y buscaban algo nuevo, por esto los agentes que
les contrataban para esos recitales usualmente les bautizaban provisionalmente,
hasta que uno de ellos, entusiasta
de la historia,les mencionó el nombre de un agrónomo del
siglo 18 que inventó la primera máquina agrícola para sembrar, este caballero se llamaba Jethro Tull. Y siguieron usando el nombre porque era el
que tenían cuando por primera vez,el satisfecho dueño de un local, les llamó para que llegaran a tocar de
nuevo.
track 3. CHEAP DAY RETURN
Cheap day return es como llamaban a los
tiquetes de ida y vuelta en un plazo corto de tiempo en los ferrocarriles
ingleses. La historia de esta canción
es que Ian, debía ir de Londres a Blackpool a visitar a su padre quien se
hallaba enfermo y cuando le encontró,la enfermera que le atendía le preparó té y le
pidió un autógrafo, lo que le causó
cierta gracia y le hizo reír.Se trata de una preciosa canción acústica que
dura apenas poco más de un minuto, y brinda un pequeño descanso después de las
dos primeras piezas. El acento folk
inglés de la canción es notable.
track 4. MOTHER GOOSE
Mother Goose, Es otra rola acústica con
ciertas pinceladas de guitarra eléctrica por ahí. En ella aparecen varios
personajes como Mother Goose, el turista, Johnnie Scarecrow y Long John Silve y
se inspira en las diferentes gentes que se pueden ver en el entorno de los
barrios bajos londinenses.
Como
antes dije, sus inicios fueron más
orientados al blues y al soul, acercándose al folk y a la música clásica y en esa época de formación, acumularon muchas anécdotas curiosas como el
hecho de que antes de la llegada de su guitarrista definitivo Martin Lancelot
Barre, estuvieron probando por unas
semanas a ni más ni menos que Tommy Iomy, quien tomó el trabajo al mismo tiempo en
que la banda Earth se transformaba en Black Sabbath, Iomy no se sintió cómodo
con Tull por lo que regresó a su camino de convertirse en uno de los padres del
heavy metal, pero para la historia quedó la presentación de JT con él en la
guitarra en el performance Rock n Roll Circus de Mick Jagger.
Ya
con una alineación estable en 1971, Jethro Tull grabó su cuarto larga duración
que se colocó por mérito propio en la historia del Rock.
track 5. WONDERING ALOUD
¨Preguntándose en voz alta¨es lo más
cercano a una canción de amor que Anderson haya escrito, según sus propias
palabras. La versión incluida en el disco original es corta, de apenas dos
minutos y se grabó en solo dos tomas.Es una reflexión sobre la vida en pareja que termina diciendo :
¨Lo que das es lo que hace lo que eres¨.
En
esta pieza tan corta hace su aparición un precioso arreglo de cuarteto de
cuerdas que va sobreponiéndose por encima dela guitarra y el piano a partir de la segunda estrofa, hasta alcanzar
protagonismo al cerrar la última frase.
track 6. UP TO ME
Aún en plan acústico, pero esta vez con
un ritmo más frenético y adornos constantes de una guitarra distorsionada que
aunque no calza,tampoco
desentona.La flauta lleva el riff
protagónico junto a la voz,esto crea
un ambiente juguetón y dinámico que nos prepara para el otro lado del
disco.La letra habla otra vez de los
personajes que se observan en la calle, como dice Anderson componer casi
siempre es simple y sencillo: lo que hay que hacer es observar y narrar y nunca
juzgar.
EL
ÁLBUM
El
disco Aqualung como lo haría saber Ian Anderson en posteriores entrevistas, fue muy difícil de producir porque el
estudio que les había sido asignado por la disquera Island Records tenía lo
mejor de la tecnología pero nada funcionaba bien, además de que se trataba de
una antigua iglesia fría y plagada de ecos donde no se lograba llegar al sonido
ideal deseado por el líder de la banda que debutaba como productor. Todavia en entrevistas que diera veinte años
después, mencionaba que aún no se sentía satisfecho con el sonido obtenido.
En el mismo edificio en un estudio más pequeño
y con mejor acústica, la banda Led Zeppelin grababa al mismo tiempo su más
legendario álbum el Led Zeppelin IV en el que vienen piezas como Black Dog,
Rock`n Roll y por supuesto Starway to Heaven. Aunque ambas bandas ya se
conocían dado que el año anterior, JT les había acompañado en la gira europea
como teloneros ; el contacto entre ellos era muy esporádico, limitándose a unas
pocas visitas de Jimmy Page y John Bonham a ver los ensayos e interpretaciones
durante la grabación.
track 7. LICK YOUR FINGERS CLEAN
La canción habla sobre el juicio final de una
persona cuando tiene que dar cuentas sobre la forma en que ha vivido. Esta
pieza no venía en la versión original y se intentó lanzar sin éxito como un
sencillo fuera de álbum. Luego fue ligeramente modificada y se incluyó en el
posteriordisco War Child
La
alineación de Jethro Tull para la grabación de este álbum se conformaba además
de Ian Anderson en voz, flauta y guitarra acústica, y sus viejos amigos de
tiempos de colegio John Evan en teclados y Jefrey Hammond en el bajo,además de Clive Bunker en la batería, y el
injustamente infravalorado guitarrista Martin Barre en un absoluto estado de gracia.
Además de ellos, colaboraron en la producción Terry Ellis, primer mánager y
cofundador de la disquera Chrisalys Records, y en los arreglos orquestales el
músico David Palmer quien a partir de 1977 pasaría a ser tecladista de la
banda.
El
estilo musical de Aqualung, concentra algunas de las influencias de lo que JT
había producido en sus primeros tres discos, conservando a veces el sonido folk
casi celta y dejando de lado un poco el blues más ortodoxo, rescatando y
aumentando la veta clásica y orquestal y sobre todo buscando un sonido más de
hard rock a través de una batería más potente y guitarras con riffs pesados y
solos grandiosos. Se puede decir que
en este disco Jethro Tull encontró su verdadero sonido que confluye entre el
folk y el metal. Entre Crosby, Stills
y Nash y Black Sabbath por nombrar referentes contemporáneos que sonaban por
aquellos días.
track 8. MY GOD
Esta canción fue la causa de que muchas
copias del disco fuesen quemadas en los estados sureños de EEUU, según cuenta
Ian Anderson. Aunque el niega tener algo en contra de las religiones
organizadas, le molestaba bastante que se inmiscuyeran en la educación de los
niños, como sucedía en su época de escolar, cuando los profesores, eran bastante
crueles con los niños y tenían autorización para aplicar castigo físico sobre
ellos. La canción fue escrita un año antes de que se grabara el disco, por eso
se puede ver su interpretación en el concierto de la isla de Wigth ( el
woodstock inglés). La pieza cuenta con un increíble solo de flauta que se
armoniza con coros gregorianos y maneja las frases con una calma que se rompe
en los coros por la potencia de la guitarra con distorsión que predomina sobre
los demás instrumentos.
track 9. HYMN 43
Esta canción va sobre Jesús y en la
misma le recomienda, por si desea volver, que se mantenga alejado por su bien
de sus representantes en la tierra. Aquí tenemos algo un poco más rockero con
una batería más presente y guitarras más contundentes y protagonistas que en
los tracks anteriores.
Aunque
muchos críticos y habladores de la música califican al Aqualung como un disco
conceptual, Ian Anderson siempre lo ha
negado de manera enfática. Tanto así que después de saber sobre estas
opiniones, decidió que su próximo disco sería la madre y el padre de todos los
discos conceptualesy lo logró creando al año siguiente aquella
gran joya que te describí en el Episodio 5 de este podcast, ni más ni menos que el inmenso Thick as a
Brick.
¡En
esos tiempos don Ian, si que no se andaba por las ramas en cuanto a poner las
cartas sobre la mesa y demostrar con hechos sus posiciones!
Pues
no, decía él, el Aqualung no es más que un puñado de canciones y nada más, eso
no tiene nada que ver con un disco conceptual. Pero para serte sincero, algo de razón
tendrían los que opinaban lo contrario, tal vez si se parece a una obra
conceptual pero de una forma un tanto difente a lo que usualmente se toma como
una obra de este tipo, y tal vez por ello aparezca la firme oposición de
Anderson al tema. Más que contar una historia a través de varios temas, en este
disco se habla sobre dos temas principales,a través de diferentes historias que aparecen entre las canciones.
Estos
dos temas toman protagonismo en cada una de las caras del disco, así la cara A
era conocida como ¨Aqualung¨, y trataba el tema de la vida de los más
desfavorecidos, a través de la metáfora de los habitantes de la calle, entre
los cuales uno de todos al que llamaban Aqualung porque su respiración asmática
y fatigada era similar a la de un buzo en las profundidades, siendo a la vez un
ser que vivía entre lo más hondo de la miseria humana,invisible y olvidado por el resto de la
humanidad.
La
inspiración de esta parte vino a partir de una serie de fotografías que tomó
Jennie, la entonces esposa de Ian, sobre vagabundos en un embarcadero antiguo
en la ribera norte del Támesis.Un fotografía en especial llamó la atención de
la pareja y a partir de ella crearon el personaje y la canción Aqualung, por esto es que Jennie tiene créditos en la
composición de la pieza. En esta sección otros personajes
lamentablemente muy realistas como Aqualung, viejo, ridículamente libidinoso,
sucio y achacoso o Mary la Bizca, una prostituta adolescente que hace de Robin
Hood sexual, cobrando y robando a los ricos y proporcionando caricias lascivas
gratuitas a los pobres; se alternan con otros personajes entre temas que hablan
sobre el sentido de la humanidad vista desde donde nadie quiere mirar.
track 10. SLIPSTREAM
Es otra canción acústica con arreglos
de orquesta de cámara, corta y que más bien sirve de preámbulo para lo que se
viene:
track 11. LOCOMOTIVE BREATH
La letra de la canción habla de una
locomotora sin control que aumenta su velocidad porque su palanca de freno ha
sido robada, el ladrón,un tal Old Charlie es también conocido como el
ganador de siempre. El pasajero de la
locomotora es el pobre perdedor de siempre,que sabe que está condenado a no
poder escapar de la locomotora y sospecha cual será su destino. Este personaje es la humanidad. Y Old
Charlie es Dios. Ian Anderson creó
esta metáfora para plantear el dilema de la sobrepoblación del planeta, algo
que le inquietaba cuando la escribió y según sus declaraciones de 2021, hoy le
inquieta aún más,aunque sabe que la educación de las nuevas
generaciones y sobre todo la justa inclusión de la mujer,que
progresivamente se ha venido dando,ha
resultado en que las familias sean más pequeñas hoy en día y tal vez se llegue
a algún equilibrio para el futuro optimistade la humanidad.
Se puede decir que esta es la canción
que da el climax a la obra en su totalidad. Con un inicio muy jazzistico,el
piano introduce un motivo suave, casi susurrante y la guitarra le responde con
aullidos lejanos que luego dan paso al cuerpo de la canción con un ritmo
trepidante como el de una locomotora a la que no se le puede oponer nada a su
paso. Esta canción, que podríamos decir, la más roquera del álbum, es con la
que usualmente Jethro Tull cierra sus shows, antes de salir de nuevo al
escenario con el acostumbrado bis. El tema es uno de los más populares de la
banda y ha sido interpretado por bandas como Wasp, Helloween y Styx.
Los
temas de la cara B del álbum, formaban un conjunto llamado ¨My God¨: mi Dios. Si en la cara A las letras eran
lascivas, tristes y a la vezdivertidas,
en este lado el tono era más confrontativo, directo pero también divertido
denunciando y parodiando a las religiones organizadas y más específicamente al
cristianismo anglicano y su educación basada en la biblia.Si
bien no se trata de un manifiesto ateo, el autor pone aquí suficientes razones
para mandar a freír espárragos a los curas, obispos, monjas, catequistas y
demás fauna con crucifijos por fuera e intenciones poco claras por dentro. Esto queda manifiesto con versos que dicen
cosas como :
¨Si Jesús salva, mejor
que se salve a sí mismo.
De los malditos
buscadores de gloria que usan Su nombre en vano¨
Así, ademáshabla de la relación de la divinidad dentro
del ser humano y no fuera de él, como las religiones le hacen creera las personas con la intención de dominarlas
y favorecerse materialmente de ellas. Dando como resultado una humanidad
plagada de personas vacías y en desgracia, individuos aislados que consideran que todo es obra de dios y no
consecuencia de sus actos o de su conducta para con sus semejantes. La clave de
todo esto es el enigmático poema que aparecía en la contraportada del álbum y
que iniciaba con la frase:
¨En
el principio el hombre creó a dios¨
Esta segunda parte, más que la primera
le valió al álbum la censura y el boycott en Inglaterra y naturalmente en EEUU, además de
ser censurado por el régimen franquista en España, que mutiló la obra
eliminando el tema Locomotive Breath, aunque creo que no supieron traducir el
resto de las letras y eso también le salvó de la hoguera. Años después Ian Anderson diría que
lamentaba toda esa censura y salvajismo medieval para con sus discos, pero eran
consecuencias de su juventud y con el tiempo ha aprendido a decir las cosas de
forma un poco más diplomática.
track 12. WIND UP
En la canción con la que cierra la
obra, otra vez se dirige contra las autoridades eclesiásticas y escolares. Esto
lo hace Anderson, recordando que estuvo en un estricto colegio religioso en los
tiempos en que era autorizado el castigo físico, y su rebeldía resultó en una
pronta expulsión. No hay mucho que decir al respecto, solo te leo unos cuantos
versos de la canción:
Cuando era joven
Y me enviaron a la escuela
Y me enseñaron como no debería jugar al
juego
No me importó, que me educaran para el
éxito
Ni que me dijeran que era un tonto
Así que me fui una mañana con su dios
bajo mi brazo
Sus falsas sonrisas de mierda y su libro
de reglas
Así que le hice a este dios una pregunta
Y me respondió de una manera firme:
Yo no soy del tipo que hay que reiniciar
los domingos
El arte de la portada y las imágenes
interiores del álbum fueron realizadas por el artista Burton Silverman y quien
se inspiró a su vez en las fotos antes mencionadas de Jennie Anderson. El
pintor luego se enemistó con Ian Anderson y Terry Ellis, porque según él, solo
había autorizado usar su pintura para la portada del disco y no para mercadería
adicional, por lo que solo recibió $1,300 por la pintura sin recibir derechos de
merchandising por su uso en otro material, por esto hizo un reclamo económico que
a la fecha no ha sido resuelto a su favor. La pintura de la portada y la de la
contraportada fueron robdas de las oficinas de Chrisalys Records y a la fecha
se desconoce su paradero. Solamente se conserva el cuadro que venía dentro del
sobre del disco en el que los miembros dela banda personificados como
vagabundos celebran una fiesta.
track 13. WONDERING ALOUD AGAIN
Con
esta hermosa versión larga de Wondering Aloud que se quedó fuera del disco original,
terminamos el análisis del disco Aqualung. Pero como te dije al principio, este
disco significa algo muy especial para mí y deseo compartir con vos de qué se
trata. Puede parecer una tontería pero visto desde la altura de cerro de los
años que todos caminamos y por el que ya empiezo a distinguir un panorama más
amplio de lo vivido, me parece algo importante y que en definitiva tiene que ser
compartido.
Aquí
va pues.
(MI EXPERIENCIA PERSONAL CON AQUALUNG)
En los años 90 una
emisora que se llamaba radio Paladín, empezó a transmitir aquí en Costa Rica ,
107,5 del FM, me parece que era su sintonía. Yo era un adolescente que en esa
época escuchaba mucha radio, tenía un walk man, y siempre andaba escuchando
música a toda hora. La mayor parte del tiempo eran los cassettes con metal que
era prácticamente lo único que oía. Mucho Speed, Thrash, Heavy, Death, Hardcore, Black y todo lo que
pudiera grabar a partir de los discos de mis amigos compraban. Pero no podía
pasar todo el tiempo solo escuchando cassettes, porque la batería se gastaba
pronto, y no quedaba más remedio que alternar las escuchas con la reducida
oferta de rock de las emisoras nacionales, y así encontré a esta nueva emisora
de tan peculiar nombre, que tenía programas de metal y de rock progresivo. Una
noche, lo recuerdo muy bien,cuando
regresaba de clases y caminaba del autobus hacia mi casa, en el programa que
escuchaba sonó esto:
(INTRODUCCIÓN DE AQUALUNG)
Y a partir de ahí, todo empezó a sonar
diferente.
La locución de esa emisora estaba en
inglés, y por ese entonces apenas yo
empezaba a manejar el idioma, por lo
que después de varias veces que logré escuchar el tema, me enteré que pertenecía a una banda que se
llamaba Jethro tull. Pregunté a mis
camaradas si alguien la conocía y nadie sabía nada,les
decía que sonaba como una mezcla de
Black Sabbath con América, pero ni
idea. Nuestro ámbito de reconocimiento era del metal pesado y poco más. Eran tiempos en que ni nos imaginábamos lo
que llegaría a ser la internet y nuestro pueblo era semi rural en ese entonces.
Más por casualidad que por otra cosa,me
enteré que el padre de la mejor amiga de mi hermana, les conocía y mejor aún, tenía un disco compacto de esa banda. Le contacté y me lo prestó para grabar una
copia. Era un disco de grandes
éxitos pero traía la canción que había escuchado y que se llamaba Aqualung. Todas las demás piezas, aunque eran bastante
diferentes a la que me había flechado,eran también impecables y prácticamente me las
aprendi de memoria de tanto escucharlas. Pronto hice circular mi cassette entre mis
amigos, y así fuimos volviéndonos
fanáticos de esa gran banda y del hasta entonces para nosotrosdesconocido género llamado rock
progresivo.
Me despido,
esperando que este programa especial haya sido de tu agrado.
Te
recuerdo que agradezco mucho que compartás este programa y el CANAL de Telegram
al que ojalá estés suscrito, recibiendo a cambio información adicional a lo que
aquí escuchaste en forma de imágenes, videos y enlaces a otras páginas de interés.
Nos
vamos con una versión en vivo, larga pero llena de energía de Locomotive
breath, para que tengás siempre la música que te gusta cerca de tu corazón y no
te agarre el tren preocupado por cosas que no valen la pena.
