jueves, 29 de diciembre de 2022

Los 100 de los 70: 92 TEA FOR THE TILLERMAN de CAT STEVENS (1970)

 70 y Rock presenta

100 discos imprescindibles 

de hace cinco décadas...



En un hospital británico en 1969, un muchacho de 22 años, estaba a punto de morir de tuberculosis. Con inyecciones un día si, y otro también, pudo apartarse poco a poco del borde final de la existencia y después de un internamiento de seis meses, salió transformado como quien nace de nuevo a seguir haciendo lo que más amaba. Antes de esa crisis este muchacho ya había grabado dos discos con un éxito medianamente discreto en los que cantaba canciones con temas románticos y juveniles nada impresionantes. Cuando salió del hospital llevaba en su cuaderno y en su guitarra, cuarenta canciones que reflexionaban sobre la vida, la muerte, el mundo, la belleza, la verdad y el universo. Grabó un tercer disco con algunas de estas piezas pero el cuarto disco que grabó y lanzó en 1970 le consagró como uno de los cantautores más destacados de la década. Este muchacho recién renacido, se hacía llamar Cat Stevens.     



            Cuando tuvieron listo el álbum Tea for the Tillerman para su lanzamiento, el empresario Chris Blackwell, propietario de Island Records, le dijo a Cat Stevens: ¨Muchacho, no sabes lo lejos que vas a llegar a partir de ahora¨. El cantante lo tomó como un cumplido, pero con el tiempo se daría cuenta que a partir de la salida de este disco, la fama sería un factor determinante para su forma de vida. Con una voz diferente a la que tenía en sus otras producciones, probablemente afectada por su enfermedad o tal vez con una entonación más grave y madura para tratar temas más serios de la forma en que los plantea, procedió a expresar de manera muy filosófica muchos aspectos que no eran frecuentes en las producciones de música pop de la década que iniciaba.

            El disco empieza con una canción con un título que pregunta ¿Dónde jugarán los niños? y la pregunta antes y ahora sigue siendo el gran problema de la humanidad. ¿Estamos lo suficientemente preocupados y sobre todo ocupados en el futuro de la humanidad? ¿Nos damos cuenta hacia donde va esto? Cuando entonces la guerra de Vietnam y la amenaza nuclear copaban la atención, Cat cantaba también de la destrucción de la naturaleza y de la inminente crisis climática. El primer gran éxito del disco fue la canción Wild world, inspirada en su ruptura con la actriz norteamericana Patti D`arvanville, y que ha sido reinterpretada por muchos artistas más como Jimmy Cliff, Maxi Priest, Mr Big entre otros. Otro sencillo destacado fue Father and son, de la que te hablé en el episodio 11 de 70 y Rock en la que plantea la diferencia generacional entre un padre y un hijo, cantándola como si se tratara de un diálogo entre estos personajes.


 

            El éxito del album le llevó a recorrer casi todo el mundo, en giras de conciertos en las que también se daba su tiempo para explorar y conocer diferentes culturas y diferentes formas de definir la espiritualidad. En 1978, tuvo otro renacimiento que le hizo convertirse al islam y abandonar la música hasta la década de los noventa. Abandonó su identidad artística y se transformó en Yusuf Islam. Con los años supo reconciliar a Cat con Yusuf y en la actualidad continúa con su carrera, componiendo nueva música y reinterpretando sus canciones del pasado, viéndolas y saboreándolas desde la óptica que da la vejez. En 2020, presentó el disco Tea for the Tillerman parte 2, en la que graba de nuevo las canciones pero modificando algunas letras y casi todas las músicas, manifestando así como una obra inmortal puede también madurar con su creador.


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lunes, 26 de diciembre de 2022

Los 100 de los 70: 93 SWEET BABY JAMES de JAMES TAYLOR (1970)

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100 discos imprescindibles

de hace cinco décadas...  


 

El Segundo larga duración en solitario de James Taylor, llevaba como nombre la canción de cuna que le dedicó a su sobrino también llamado James. Este cantautor, nacido en una familia bien acomodada, tuvo la oportunidad de estudiar música de niño y de acceder a una educación de Buena calidad pero en su adolescencia abandonó sus estudios y formó con unos amigos la banda de rock psicodélico The Flying Machine. En lo más álgido de la década del amor y la paz, terminó enganchado a la heroína e internado en un hospital psiquiátrico donde pudo superar, por el momento su dependencia. A los 20 años se fue para Inglaterra donde logró contactar a Paul MacCartey y George Harrison, quienes lo ficharon para su sello Apple y le produjeron su primer disco. De hecho, una de sus canciones ¨Something on the way she moves¨ sirvió de inspiración para George para el primer verso del clásico de los Beatles ¨Something¨.  Con este disco apenas logró pegar la canción ¨Carolina on my mind¨ y recayó de nuevo en su dependencia a la metadona y la heroína. 


 

Regresó a EEUU a desintoxicarse. Tenía apenas 22 años y ya cargaba a cuestas con dos internamientos psiquiátricos, una sobredosis, un disco sin éxito y ninguna posesión material. Así que se fue a California a grabar un segundo disco, para el cual ya acumulaba un puñado de canciones muy sentidas escritas casi todas durante su última estancia en el sanatorio. Esta producción fue la que en definitiva le lanzó a la fama por sus canciones que combinaban el espíritu melancólico del cantautor con algunos toques de sarcasmo como en la canción Steamroller, la que escuchamos antes, en la que se burla de algunos arrogantes roqueros blancos que pretenden interpretar música blues y hacer dinero apropiándose del tradicional ritmo de los afroamericanos.

El principal sencillo del disco es la canción Fire and Rain, melancólica tonada en la que habla de su lucha contra la dependecia a la vez que se despide de su amiga Suzanne quien se quitó la vida mientras él estaba en Inglaterra grabando su primer disco, y se enteró del suceso hasta tiempo después dado que sus amigos no querían que abandonara el proyecto y se sumiera de nuevo en la adicción. 


 

Este álbum se convirtió en el inició de una carrera llena de altibajos, en la que además de la música llegó a participar en algunas películas y ser uno de los artistas masculinos más carismáticos y atrayentes de la década. En esa época se decía que su aspecto era como el de un Jesús Vaquero, aunque él decía que nada más pretendía parecerse a George Harrison.

A la fecha, James Taylor aún se presenta de vez en cuando y aún compone canciones como las de aquella década en la que su voz y su guitarra anunciaban los tiempos que vendrían.

 


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martes, 20 de diciembre de 2022

Los 100 de los 70: 94 DESIRE de BOB DYLAN (1976)

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Y vamos otra vez con Bob Dylan. El futuro premio nobel de literatura, después de llorar mucho a su exesposa Sara, en su disco Blood on the tracks,   volvió a enfocar la temática de su música en denunciar la injusticia social y en narrar épicas historias de personajes complejos. Con la colaboración del compositor, director teatral y psicólogo clínico Jacques Levy, Dylan compuso nueve canciones largas que conformaron su décimo séptimo álbum de estudio.   Esta producción fue el trabajo más colaborativo de Dylan, en vista de que por esos días estaba conformando la gira Rolling Thunder Revue y pudo contar con muchos de los que ahí le acompañarían. Se destaca la guitarra de Eric Clapton en Romance in Durango, los coros de la cantante country Emilou Harris en One more cup of coffe ( la que escuchaste al inicio) y Oh Sister y el violín de Scarlett Rivera en casi todas las rolas. 


 

            El disco abre con la abierta declaración contra la injusticia del sistema legal norteamericano que denunca Hurricane,   dedicada al caso de la injusta condena al campeón de boxeo de pesos medianos Rubin Hurricane Carter, que condenado por un crimen que no cometió llevaba ya diez años preso. Como ya te lo había comentado en el episodio 07 de 70 y Rock,  Dylan leyó el libro que Carter escribió en prisión y compuso la canción para denunciar el caso, sacándola como primer sencillo del disco y entregando las ganancias al equipo legal que buscaba la liberación del boxeador.     


 

    Otro tema que también se destacó de este álbum es la épica ¨Joey¨, historia del mafioso italo americano Joey Gallo. Esta canción de once minutos fue muy criticada, en vista de que Dylan narra la historia del gángster retratándolo como un Robin Hood moderno que luchaba contra el sistema, tal y como se lo habían descrito unos amigos del mafioso difunto. Pero al parecer la canción lo idealizaba más de la cuenta, dado que el tipo era un canalla de bastante cuidado, y como siempre sucede, destacó en el ámbito criminal más por su crueldad y violencia que por su ánimo altruista y conciliador. 


 

            Como te dije antes, la gira Rolling Thunder Review se realizaba a través de EEUU y Cánada, mientras se producía y se lanzaba el álbum, por lo que sus temas estaban muy presentes en ella.    En el impecable documental sobre la gira realizado por el cineasta Martin Scorcese, podemos ver y  disfrutar varias de las piezas del disco como si estuvieramos en aquel lejano 1976, siendo parte del auditorio de la presentación de Dylan.  Te recomiendo, darle una revisada, para enriquecer más lo que aquí te he contado.  

 

Por el momento te dejo con la que para mí es la canción más destacada  de este álbum, Hurricane, una denuncia hecha arte.

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sábado, 10 de diciembre de 2022

Los 100 de los 70: 95. RED HEADED STRANGER de WILLIE NELSON (1975)

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Durante la década de los cincuenta el sonido de la música country llegó a consolidarse alrededor de un lugar icónico donde muchos artistas habían empezado sus carreras y aún en la década siguiente continuaba siendo el lugar alrededor del cual gravitaban todas los discos que aparecían de ese estilo musical. Ese lugar era Nashville, Tennesse.    Así sucedió que los estándares aceptados por los seguidores de la música country eran los llamados estándares del country de Nashville. Pero un grupo de forajidos, crearon el outlaw country con interpretaciones más libres y un tanto diferentes a lo que los puristas requerían,    el lider de estos forajidos era un pelirrojo bajito, que venía grabando discos desde 1956 aunque con un éxito más bien discreto como autor y casi nulo como cantante. Este forajido se llamaba Willie Nelson y junto a Kris Kristoferson y Waylon Jennings revolucionaron la música country durante la década de los 70, acercándola a los seguidores de la música pop y del rockanroll en general. 

 

            En 1973, cuando cumplía 40 años encontró el éxito con su álbum ¨Shootgun Willie¨, que como dice el músico ¨sirvió para aclararle la garganta¨ y le abrió el paso a la fama al combinar jazz, folk y toques de rockanroll al country convencional. Este era su décimo séxto álbum, pero para muchos fue el primero. Pero aquí hablaremos del décimo octavo, el álbum que le consagró y que a la fecha es su disco más vendido, el disco de 1975 ¨Red headed Stranger¨. Por muy extraño que parezca, se trata de un álbum conceptual de música country, que narra la historia de un individuo carcomido por el arrepentimiento que vaga solo por la noche después de haber asesinado a su mujer al encontrarla con su amante. En sus quince cortas piezas, narra la historia interpretada únicamente con instrumentos acústicos, con una sencillez y un ambiente rural, muy bien logrado que conjugan la tristeza de la historia de forma casi cinematográfica. De hecho en 1986, se realizó una película protagonizada por el propio Nelson, con el mismo nombre del disco, y con una historia más o menos parecida en la que el extraño pelirrojo es un misterioso predicador y pistolero que imparte la justicia divina a punta de balazos.  

 

            Contrario a esta imagen tan cargada de plomo, Willie Nelson ha sido durante su carrera un artista muy solidario: Junto a Neil Young preside la organización Farm Aid, que organiza presentaciones para recolectar dinero para agricultores en apuros además de ser un reconocido ambientalista y activista por la legalización de la marihuana. A sus casi noventa años aún sigue activo presentándose de vez en cuando con una banda en la que toncan algunos de sus hijos y nietos. 

 

            Te dejo con la canción Hand on the wheel con la que concluye el tortuoso camino de redención del personaje principal de esta historia, además de la instrumental que cierra el disco y que se llama simplemente Bandera. 

 


 

 

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viernes, 2 de diciembre de 2022

Los 100 de los 70: BLOOD ON THE TRACKS de BOB DYLAN (1975)

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            Con frecuencia se le preguntaba a Bob Dylan si su álbum Blood on the tracks tenía referencias autobiográficas, él lo negaba siempre de manera contundente, y hasta llegó a mencionar que se trataba de una colección de canciones inspirada en los relatos del escritor ruso Anton Chejov. Aunque a la fecha sigue aferrado a esa idea, no es difícil encontrar puntos de encuentro en las letras de las canciones con la tristeza  que el compositor pasaba debido a la separación e inminente divorcio de su esposa Sara con quien tenía  ya cuatro hijos.  

 

El disco cuenta con temas donde se lamentaba la pérdida del único amor, como la que acabamos de escuchar, ¨Tangled up in blue¨ ¨Enredado en la tristeza¨ o ¨You´re a big girl now¨ , ¨Eres ya una chica grande¨ , y pasa  a temas donde daba rienda suelta a la rabia contra si mismo y la frustración de no poder reconstruir una relación, como ¨Idiot wind¨ , aunque también encontraba espacio para épicas historias folk, que eran su marca registrada, donde narraba un relato que bien podía tratarse del guión para una película como en la canción ¨Lilly, Rosemary and the Jack of Hearts¨.  

 

En un principio Dylan tenía pensado  grabar el disco  con una banda eléctrica, pero después de escuchar la opinión de Neil Young y de sus amigos de Crosby, Stills y Nash, decidió orientarse hacia algo más acústico y folk con poca intervención de la guitarra eléctrica. De hecho después de una presentación privada que Dylan hiciera ante ellos, Graham Nash anotaría que Stephen Stills en privado le dijo: ¨es un gran compositor, pero un mal músico¨. El disco salió en enero de 1975 y fue el décimo quinto de la carrera del cantante y uno de los más destacados por la crítica y de mejores ventas de su carrera. 

 

Cuando uno lo escucha siguiendo las letras de las composiciones se da cuenta que se encuentra frente a un poeta con muchos recursos y de una inspiración tan amplia como accesible, lo cual justifica muy bien porqué muchos años después recibiría el premio Nobel de Literatura. Te dejo con una canción que es una de las más desgarradoras y a la vez hermosas baladas que hablan sobre la separación, ¨If you see her, say hello¨.

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